Укиё-э

          - картины бренного мира, или картины плывущего мира, - направление в изобразительном искусстве эпохи Токугава (преимущественно живопись и графика), ориентированное на изображение сцен городской жизни. Чаще всего под укиё-э подразумевается гравюра в технике печати с деревянной доски, первые образцы которой появились около 1600 г. в Киото. Это было иллюстрированное издание классических текстов с черно-белыми иллюстрациями, раскрашенными от руки в два цвета (красный и зеленый). Отсюда и название этих раннепечатных изданий - «красно-зеленые книги». Переизданный в 1608 г. классический роман X в. «Исэ-моногатари» уже украшали 48 иллюстраций.
         В Эдо техника печати с деревянной доски распространяется в середине XVII в. Предприимчивые владельцы чайных домов в «веселых кварталах» заказывали городским художникам иллюстрации к макурабунко - своеобразным путеводителям по «веселым кварталам», в которых содержались сведения о классе, внешности, характере, образованности и цене куртизанок. Эта продукция пользовалась большим спросом среди горожан, так как с ее помощью посетитель кварталов развлечений мог легко ориентироваться и выбрать подругу для развлечений согласно своему вкусу и содержимому кошелька.
         К XVIII в. гравюра стала самостоятельной сферой творчества. Ее распространению способствовали доступность и дешевизна ксилографического метода исполнения. Так, мастер создавал эскиз композиции, резчик вырезывал изображение на деревянной доске, и затем издатель мог получить до ста оттисков с готового клише. Гравюры заменяли в небогатых домах дорогостоящую живопись, широко использовались для книг и альбомов, оформления календарей и театральных афиш. Со временем сформировались различные жанры этого искусства: бидзинга (изображение красавиц из веселых кварталов), якуся-э (театральная гравюра), муся-э (историко-героический жанр, изображение воинов), суримоно (поздравительные открытки), катё-э (изображение цветов и птиц), фукэй-э (пейзаж).
         В отличие от европейской ксилографии, где применялись типографские и масляные краски, японские художники использовали растительные красители, обычно смешанные для вязкости и яркости с рисовой пастой. Краски наносились кистью на увлажненную доску. Техника гравюры позволяла создавать сложный колорит с мягкими, сглаженными оттенками цвета. Нередко для достижения утонченной колористической гаммы резчики изготовляли до тридцати досок. При печати в краски добавляли серебристый слюдяной и перламутровый порошок. В XIX в. мастера нередко применяли анилиновые красители, что резко снизило художественное качество гравюры.
         Коллективный метод создания гравюры обусловил ряд проблем в изучении этого вида изобразительного искусства. Во-первых, не всегда известно, в какой степени толщина линий, их графическая выразительность были разработаны самим автором. У некоторых мастеров был свой постоянный резчик, что позволяло им нередко ограничиваться лишь беглым наброском. Во-вторых, сохранившиеся клише давали возможность издателю печатать гравюры и после смерти мастера. В этом случае использование цвета при печати становилось целиком делом вкуса печатника. Известны подготовительные картоны к печати, где мастер только подписывал названия цветов. Таким образом, и прижизненные оттиски не всегда являются гарантией того, что колорит гравюры есть исключительно авторское решение.
         Гравюры создавались в стандартных форматах: обан, о-обан, и др. В их композиционном поле обычно, кроме изображения, присутствуют подпись художника и две печати (издателя и цензора). Круглые или квадратные со скругленными углами, они не только являлись необходимой формальностью, свидетельствовавшей о разрешении к печати, но и были предметом особой гордости. Японцы умели оценить уравновешенность знака и фона, заключенных в миниатюрном пространстве печати. Нередко многие мастера (и не только граверы, но и живописцы) создавали собственные печати.
         В целом в развитии гравюры принято выделять период ее зарождения, характеризующийся лаконичностью изображения, приближающегося к иероглифическому знаку, и монохромной техникой печати, изредка раскрашенной от руки. Первый расцвет гравюры связывается с именем Судзуки Харунобу, который разработал технику полихромной печати и существенно расширил рамки жанра бидзинга. Второй расцвет гравюры ознаменован деятельностью Китагава Утамаро, создавшего новые типы композиционных построений, обогатившего сюжетно-тематический репертуар гравюры. Последний взлет гравюры связан с именами Кацусика Хокусая и Андо Хиросигэ, сумевших перевести на язык гравюры классический жанр живописи - пейзаж. Последующие мастера, среди которых было немало оригинальных художников, обычно рассматривались как явление упадка гравюры укиё-э. Сегодня эта традиционная точка зрения на заключительный период гравюры укиё-э пересматривается.
         Японская гравюра оказала беспрецедентное влияние не только на творчество мастеров-графиков дальневосточного региона, но и на развитие всего европейского художественного процесса и мирового искусства в целом. Активное коллекционирование японской ксилографии в Европе конца XIX - начала XX в. привлекло внимание западных художников к особенностям японского графизма, понимания цвета, трактовки пространства и формы. Именно в японском искусстве европейцы увидели источник обновления искусства. Влияние японской гравюры ощущается (и отмечается самими художниками) и в импрессионизме, и в постимпрессионизме, и в стилистике модерн.

 

(Источник: Культура классической Японии. С. Б. Рыбалко, А. Ю. Корнев, 2002)
 

 

 

Ссылка на эту страницу:

 

 

Rambler's Top100

 

Культура и быт народов 2009-2010. .